Wassily Kandinsky

Wassily Kandinsky

(1866. Moscú - 1944. Nevilly-sur Seine)

"Pionero del arte contemporáneo y el "arte puro". Pintó los primeros cuadros en su mayor parte abstractos. Destacado teórico del arte. Cofundador del grupo artístico El Jinete Azul. Profesor de la Bauhaus. Desarrolló un lenguaje abstracto universal". (Hille, 2008: 424)

Kandinsky, como teórico, es uno de los pioneros del arte del siglo XX. Al liberar el color del objeto, marcó un hito que abrió el camino al arte abstracto. En 1896, se trasladó a Munich para dedicarse a la pintura. Su obra temprana está influida por el arte popular ruso, el Art Nouveau y el impresionismo tardío. Por influencia del fauvismo, la liberación del color se fue haciendo cada vez más importante. (Hille, 2008: 424)

"A principios de 1912, cofundó el grupo conocido como El Jinete Azul, con Franz Marc, August Marcke, Paul Klee y Grabriele Münter. Se le obligó a abandonar Alemania en 1914 y se estableció en Moscú, pero volvió en 1921 y trabajó como profesor de teoría de la forma  en la Bauhaus, en Weimar y Dessau". (Hille, 2008: 424)

"Parte del impresionismo y del fauvismo para evolucionar hacia una estética que establece la abstracción fundada en la relación de formas y colores. Expone esta posición en el escrito Sobre lo espiritual en el arte, del año 1910". (Barnat, 2000:

"Estudió música, pero se dedicó de lleno a la pintura a los treinta años. Intenta también trasladar elementos y principios musicales a la pintura partiendo del sentido que alcanza una pieza, basándose únicamente en las relaciones de una obra con otra". (Barnat, 2000:

Su proceso artístico comienza con algunas tentativas expresivas como El caballero azul (1909). Pasa por un período en el que se realiza abstracciones geométricas, ejecutadas instintivamente, que llama Composiciones. En su última etapa abandona las formas geométricas para cultivar extraños signos irreales de exquisitez cromática y en perfecta armonía como en Composición (1936) y Salto templado (1944), entre otras. (Barnat, 2000:

"Emigró a Francia en 1933 y murió cerca de París en 1944". (Barnat, 2000:

Gedämpfte Glut

Esta obra está representada por una serie de semicírculos unidos uno sobre otro, en distintos tonos de rojo, además de que muestra una técnica de difuminado. Se aprecia una gran cantidad de colores obscuros y destaca un recuadro rojo en la esquina derecha de la parte baja.

"Las pinturas de Kandinsky alcanzaron una forma geométrica cada vez más fina y una frescura constructiva, primero en 1917, a través de la gran influencia que recayó en él por parte del constructivismo ruso, e igualmente más tarde en los años de la Bauhaus". (Hille, 2008: 424)

"Con este cambio Kandinsky trataba de responder a su aspiración por encontrar un lenguaje formal universal en el mundo del arte. En este cuadro, por ejemplo, se establece una atractiva interacción entre las formas superpuestas, como las superficies y las líneas". (Hille, 2008: 424)

Con el lenguaje que trataba de desarrollar, Kandinsky trataba de conseguir que la mayoría de las personas lograrán comprender el arte.

La estructura constructiva por la que se caracteriza esta obra es el uso, ya mencionado de superficies y líneas que le resultan dar un gran atractivo a la obra.

Esta obra en lo personal considero que es muy representativa del estilo de Kandinsky ya que contiene muchos elementos que son muy característicos de su estilo. Me parece muy interesante la combinación de elementos que utiliza, ya que incluye figuras geométricas que desde mi punto de vista hacen de ella una pintura muy armónica a pesar de los colores tan intensos que maneja.

En realidad lo que más me gusta de esta obra es la elección de colores ya que son realmente inusuales en una pintura que trata de armonizar. También me llama la atención que la haya fabricado con la técnica de acuarela.

Composición VI

Para Kandinsky, el revolucionario movimiento hacia el arte abstracto significaba una nueva forma de observación basada en una vuelta a lo espiritual, que el pintor pensaba que se había perdido.

"Aunque ya había pintado acuarela puramente abstracta en 1910 (la primera en la historia del arte), continuó vinculado al arte objetivo en un principio,  como se muestra si se comparan este cuadro y el de Paisaje con iglesia”. (Hille, 2008: 425)

Aunque los colores con primordiales, al igual que en otra obra que también podríamos comparar titulada Paisaje, los objetos y las figuras individuales aún son reconocibles. El color está divorciado no sólo del objeto, sino también de las líneas. Kandinsky convierte cada vez más las líneas borrosas y vagas en un deliberado mecanismo estilístico.

"A partir de 1913, las últimas reliquias remotamente reconocibles del mundo físico en sus Composiciones e Improvisaciones se disuelven por completo en formas rítmicas de calor". (Hille, 2008: 425)

Con cuadros como este Kandinsky comienza a introducir el arte abstracto a su manera, por lo que tiene gran impacto para el concepto de arte que se tenía. En este cuadro, Kandinsky nos muestra su representación de lo que sería un concierto expuesto al público. Ya que se logran apreciar músicos con sus respectivos instrumentos, presentándose frente a un público.

Lo que llama la atención respecto a su técnica es la gran atención que Kandinsky presta a los detalles, como las delicadas cuerdas con las que nos representa un arpa, y también el cómo esparce el calor para darle vida a esta obra de arte.

El factor que más me agrada de esta obra, es el hecho de que con pinturas como esta Kandinsky comienza a cerrar una etapa más de, concepto de arte e inicia con una nueva era en la que se introduce el arte abstracto.

Esta obra, como es de imaginarse tuvo gran impacto en la sociedad de la década de 1910, ya que se encontraba cambiando su manera de pensar e interpretar las cosas.

Montaña

El cuadro se sitúa, respecto a la evolución artística de Kandinsky, en el momento crucial de la crisis de la "representación". Realizado en Munich en una época en que el artista frecuentaba los círculos intelectuales más sensibles a la exigencia de una expresión libre de cualquier vínculo naturalista, manifiesta una inclinación evidente a la hora de disolver en lo fantástico toda posible relación con el mundo real. (Di Stefano et all, 1998: 19)

"El azul fue uno de los colores preferidos por Kandinsky. Sobre esta predilección actuaron inaudablemente sugestiones de signo distinto y no acaba con la de la pintura simbolista de finales del siglo XIX, cuyos principales exponentes, entre ellos Redon, mostraron gran interés por la fuerza evocativa de dicho color". (Di Stefano et all, 1998: 19)

"En esta obra también influyó en gran medida el cofundador de El Jinete Azul, Franz Marc, quien es uno de los artistas presentas en la primera exposición del grupo, que tiene lugar en Munich, en diciembre de 1911, ubicándose en la galería Tannhäuser ". (Di Stefano et all, 1998: 19)

Esta es una de la obras de Kandinsky caracterizados por su manejo de colores. A la relación entre color y forma Kandinsky destinó páginas importantes del ensayo De lo espiritual en el arte: el suyo es un análisis que, superando la impostación de las muchas investigaciones sobre el color realizadas por otros, en el pasado, moviéndose en un territorio fronterizo entre el arte y la ciencia, resulta a menudo cercano a las elaboraciones teóricas y a las experimentaciones sinestésicas llevadas a cabo en el ámbito literario por Mallarmé y Rimbaud. (Di Stefano et all, 1998: 19)

Lo que más me agrada de esta obra es precisamente lo que acabo de mencionar, es decir, la importancia que Kandinsky le da al color, y que esta es una de las obras que le inspiró para crear esta relación entre el color y la forma en su famoso ensayo. Y si esta obra tuvo impacto para que él escribiera su ensayo, evidentemente tiene impacto para toda la sociedad.

Por hacer una breve descripción de la pintura, mencionaré la tan particular técnica que utiliza, ya que le da un toque especial a la obra, hace crear una ilusión de movimiento y le da un gran toque la elección de colores que hizo.

 Azul de cielo

"En las obras de madurez, el rigor geométrico de los cuadros anteriores de Kandinsky se atenúa abriéndose a una impostación compositiva que, aunque perfectamente calibrada y controlada, ya no se presenta basada en una simetría cristalina. Fluidas y libres, las composiciones de estos últimos años están a menudo de la biología". (Di Stefano et all, 1998: 61)

"Una de estas obras, Azul de cielo, pintada en el año de la ocupación nazi de Francia, parece oponer, casi con valor apotropaico, el puro color del fomdo ("Yendo muy lejos", escribe Kandinsky, "el azul desarrolla el elemento de la calma") y sus extrañas y mágicas criaturas al horror de los años de la guerra". (Di Stefano et all, 1998: 61)

Esta obra presenta un elevado valor simbólico espiritual, situándose entre aquellos cuadros que resisten en gran medida de la influencia de los textos asotéoricos de los que Kandinsky era un apasionado cultivador.

"La elección y la yuxtaposición de los colores concuerdan manifiestamente con el pensamiento teosófico, según el cual a un determinado color corresponden un cierto fenómeno físico, una determinada vibración espiritual o precisa manifestación de la energía vital". (Di Stefano et all, 1998: 61)

Esta pintura nos muestra una serie de animales marinos, tales como tortugas, medusas, caballitos de mar, entre otros, flotando en un espacio azul.

Lo que más me gusta  y llama la atención de estas obras es el uso de colores y el estilo con que Kandinsky pinta a estos seres mientras nadan tranquilamente, ya que el diseño tiene cierta particularidad. Me gusta mucho cada uno de estos detalles, hacen la obra lucir diferente a lo que Kandinsky o cualquier otro autor normalmente nos presentarían.

Esta pintura evidentemente es muy representativa, ya que contiene un ya mencionado alto rigor geométrico, y muestra mucha exactitud en el tema de proporciones y medidas, lo que resulta inusual en tal época, porque como ya es bien sabido por nosotros, el interés por estos enfoques se dio más claramente durante el cubismo, es decir, décadas más tarde.

 Improvisación XXVIII

El almanaque de El Jinete Azul fue publicado en Munich en 1912 por el editor Piper. Para la cubierta, Kandinsky preparó un grabado sobre madera que defería de la imagen publicada sólo, por la ausencia, en el grabado, de la palabra Almanaque. De tal reflexión Kandinsky habla en una carta enviada a Franz Marc el 21 de septiembre de 1911: "Piper y Hammelmann (uno de los colaboradores del editor) se oponen firmemente al término "Almanaque" y con razón", escribe el artista a su amigo y colega. "Por ello he decidido quitar la palabra del grabado". (Di Stefano et all, 1998: 23)

Muchas veces esta obra suele relacionarse directamente con otra obra de Kandinsky titulada Primera acuarela abstracta, está por lo general se considera la primera obra abstracta de Kandinsky, aunque parte de la crítica sostiene que debe cambiarse la fecha de ejecución de 1910 a 1913. Esto es así a causa de consideraciones de diverso orden, como por ejemplo la cercanía estilística de esta obra con cuadros realizados precisamente en el año indicado como alternativo; el formato aún demasiado grande para una realización de 1910; y la mención tardía del cuadro en el registro regularmente llevado por Kandinsky a partir de 1919. (Di Stefano et all, 1998: 23)

"La importancia revestida por la música (arte abstracto por excelencia) en la obra de Kandinsky es confirmada por la frecuencia de cuadros titulados Improvisación, Impresión y Composición, términos tomados precisamente del lenguaje musical". (Di Stefano et all, 1998: 23)

Esta obra me gusta por las formas tan inusuales que maneja y la relación que Kandinsky le da a su obra con la música. Una de las cosas que más me agrada es precisamente que tenga relación con la música.

La obra está hecha a base de la técnica de óleo y se enfoca en colores muy cálidos en los que destacan el rojo, amarillo, crema y un tono naranja.

La pintura tuvo igualmente gran influencia en la idea de Kandinsky por introducir al arte abstracto, ya que esta fue también una de sus primeras obras siguiendo esta nueva corriente.

 Conclusión

Wassily Kandinsky ha sido no sólo uno de los grandes representantes del arte abstracto sino también uno de sus creadores, ya que como hemos visto con las obras que en este trabajo se han presentado, fue uno de los primeros en introducir pinturas tan poco comunes, causando gran impacto en la ideología que se tenía en el siglo XX si del arte se está hablando.

El legado de Kandinsky representa un gran campo de estudio en el arte abstracto y nos permite comprender cómo es que va cambiando el concepto de arte conforme va pasando el tiempo. Kandinsky es símbolo de la transición que da origen al arte abstracto.

Bibliografía

•   Barnat, J. (2000). Diccionario de biografía. Bogotá, Colombia: Printer Colombiana.

•   Di Stefano, E. et all (1998). Los impresionistas. Barcelona, España: Carroggio Ediciones.

•   Hille, K. (2008). Art. A World History. Barcelona, España: BLUME.